“La invención de Hugo Cabret”: Un perfecto y mágico tributo al séptimo
arte, la máquina de sueños.
Por: Martha Beatriz López Yrigoyen
La película titulada “La
invención de Hugo Cabret” y cuyo director es Martín Scorsese pertenece al género de ficción, ya que se
refiere a una simulación de la realidad. Los mensajes visuales y auditivos
transmitidos por el director y su equipo, crean y reflejan un mundo imaginario
a la audiencia. El género principal de la obra es el drama, sin embargo dos
subgéneros se ven representados también: Fantasía y aventura.
La película es un drama porque se
enfatizan situaciones cargadas de emociones y sentimientos que buscan mostrar
la forma de pensar y sentir del ser humano, en este caso de Hugo ante situaciones
inusuales o no cotidianas, como la muerte de su padre o cuando le quitan una
libreta preciada, entre otras situaciones. También se muestran las emociones de
George Méliès, cuando revive su pasado, así como cuando se da cuenta de que su
vida, aunque no es una película, puede tener un final feliz.
El subgénero fantasía se explica
mediante la realidad alterna, insólita y mágica que se desarrolla dentro de una
historia que parece normal, o de la vida real. Hay símbolos como el “Automaton”
que convierten a la película en un mundo imaginario e inigualable para quien la
ve. El subgénero “aventura” se ve obviado
porque la historia gira en torno al personaje principal, quien está en una
misión de búsqueda de respuestas y formas de reparar todo lo que está “roto”
incluso a las personas. Hugo termina siendo un héroe; una figura que resalta
valores importantes como los valores de pertenencia, determinación y coraje. En
el curso de la película se hace mención explícita de que los personajes
principales están buscando vivir una aventura. Esta película resulta única ya
que logra eficientemente converger datos históricos reales, aventura y fantasía
en una misma obra, manteniendo al espectador pendiente e interesado de
principio a fin.
La película se desarrolla en el año de 1931,
después de la Primera Guerra Mundial y gran depresión del 29; y toma lugar en
las calles de París, pero sobre todo, en la estación de trenes de Montparnasse.
El personaje principal, de nombre Hugo Cabret, es un niño de 12 años, huérfano
de padre y madre. La película retrata que la relación de Hugo y su padre era
única, ya que ambos compartían una grande pasión por el cine y por arreglar
cosas. Al quedar huérfano, Hugo termina viviendo en la torre de reloj de la
estación y tiene la misión de terminar de arreglar un “Automaton escritor”
sobre el cual él y su padre empleaban horas de su tiempo. Para hacer las
reparaciones, tiene que robar piezas mecánicas de una juguetería, pero es
capturado por George Méliès (el propietario). Para castigarlo, George confisca
a Hugo una libreta con los datos para arreglar el Automaton (el cuaderno pertenecía
al padre de Hugo). En el afán por recobrar su libreta, Hugo conoce a la ahijada
de George Méliès (Isabelle), quien le promete ayudarle a recuperar su libreta. Aunque
al principio Hugo tiene reservas sobre Isabelle, la amistad entre ambos florece. Hugo la lleva al cine, (ya que ella nunca
había ido, pues lo tenía prohibido) y recibe de ella una pieza clave para hacer
al autómata funcionar. El autómata resulta ser dibujante, no escritor; y lo
primero que reproduce es una escena de una película (un cohete que aterrizaba en
una luna animada). Después de terminar el dibujo, el autómata firmó bajo el
nombre: Georges Méliès.
Los niños, ante intrigante situación van a buscar
respuestas en casa del padrino de Isabelle (George) dónde descubren un
compartimento secreto lleno de dibujos y fotografías de lo que parecían antiguos
trabajos de George. El padrino se percata de la situación y muestra tener el
corazón roto, un sentimiento de depresión total.
Ante tal hecho, los niños siguen investigando en
secreto cuál es la verdad escondida del viejo padrino. Monsieur Tabard, resulta
una gran ayuda, ya que él sabe todo sobre el pasado de George Meliés, pues era
su gran admirador. Sin embargo él piensa que Méliès murió en la primera guerra
mundial. Los niños le comunican que Méliès todavía vive, y le invitan a verle.
Tabard tiene una copia de la película “Viaje a la Luna” y convencen, después de
muchos intentos, a la esposa de poner la película en la casa de George.
Méliès, al escuchar el sonido del proyector, por
fin cae en cuenta de que no puede olvidar ni enterrar el pasado; porque todavía
hay por lo menos una persona que recuerda su gran trabajo como director. La
depresión de Méliès se debía a que al estallar la primera guerra mundial, se
vio forzado a vender todos sus trabajos y éxitos, incluyendo invenciones únicas
suyas. Aunque parecía que por la guerra había perdido absolutamente todo,
resultó que muchas de sus obras sí se guardaron; además resultó que el
“Auntomaton” era su invención (su creación estrella); él lo pensaba perdido
cuando escuchó del incendio en el museo; sin embargo Hugo lo tenía a salvo en
el reloj. Hugo decide regresar a la estación sin pensarlo para devolver el
autómata a quien pertenece, y después de varios percances; logra entregar el
autómata al dueño original, mostrándole así que los finales felices, no sólo
suceden en las películas, como el solía creer, también suceden en la vida real.
Hugo, a cambio de enseñar tan importante lección a una persona que estaba
“descompuesta” y sin hambre de salir adelante, recibe una familia y un
sentimiento de hogar, después de haber estado solo por tanto tiempo.
La estructura dramática de la película parecería
ser típica, pues contiene 4 elementos básicos: El establecimiento de la acción
(compuesto de la premisa básica y de primeros puntos de confrontación),
confrontación, clímax y resolución final. Sin embargo después del clímax, hay puntos que juegan fuertemente con las
emociones y expectativas de la audiencia. Estos puntos en otras películas no
existirían, o serían el clímax simplemente, sin embargo, Escosese logra
mantener a la audiencia prestando atención porque suceden muchas
confrontaciones y revelaciones.
El establecimiento de la acción y exposición a la
situación inicial se ven reflejados en la película al ver que Hugo se
desenvuelve dentro de un reloj. Se muestra además, que él no tiene un hogar per
sé. Sí vive dentro de un reloj, pero solo. La audiencia se percata rápidamente
de que la situación de Hugo no es afortunada. Otro elemento de la situación
inicial es el automaton, ya que éste es el que lanza a la historia en acción, a
los primeros puntos de confrontación; pues cuando Hugo es sorprendido robando
por Méliès, surge una serie de eventos que cambian e intensifican el curso de
la historia.
Las complicaciones y confrontaciones surgen
después, cuando George le quita a Hugo su libreta con apuntes dibujos de cómo reparar el “Automaton”. Esta
confrontación desemboca en la amistad de Hugo e Isabelle y sus intentos por
recuperar la libreta y arreglar el “Automaton”. Aunque hay varios eventos que
elevan una sensación de suspenso y duda en la audiencia, sólo hay un clímax.
Otra confrontación se da cuando el “Automaton” es reparado y pinta la escena de
“Viaje a la luna”, para después firmarla bajo en nombre de George Méliès,
desencadenando así que los niños se den cuenta de que George Méliès (el padrino de la niña y el dueño de la
juguetería) es en verdad uno de los primeros grandes cineastas de la historia.
Un punto de confrontación adicional es cuando Hugo e Isabelle, después de
investigar exhaustivamente sobre el pasado de George Méliès, conocen a Tabard y
lo convencen de que el gran director no está muerto.
El clímax se desarrolla justo después de que Tabard
pone la película de viaje a la Luna, y hay una conexión de George y su antiguo
trabajo. Hay un cambio interno en el director, antes sin ambición y en completa
depresión, lo que le lleva a contar su historia y revelar todos los secretos
que los niños intentaban descubrir, incluyendo la revelación de que el
Automaton era una invención suya. Aunque la revelación es fuerte, para el
director Escorsese no es suficiente, pues decide envolver a la audiencia en
pánico, poniendo a Hugo en peligro de ser atrapado por un oficial de la
estación de trenes. Al tratar de escapar, el automaton cae a las vías del tren,
y Hugo, al tratar de recuperarlo, es casi aniquilado. Para dar un respiro a la
audiencia, el oficial le salva la vida en el último segundo y Escorsese nos
lleva gradualmente al desenlace.
En la resolución/desenlace, Hugo no termina en
prisión, al contrario; termina en un hogar con George, su esposa e Isabelle.
Además, se hace un reconocimiento al trabajo de George en la Academia de cine,
dónde él además de haber enfrentado los fantasmas de su pasado, se percata de
que la vida real sí tiene finales felices.
Al ser un tributo al cine, la película de Hugo
tiene muchas intertextualidades. La mayoría de las intertextualidades son del
tipo de inclusión, pero también hay homenajes. Antes que todo, la película es
una adaptación de la novela “The Invention Of Hugo Cabret” de Brian Selznick.
La novela se publicó en 2007.
Como ya se mencionó, la película tiene un trasfondo
histórico basado en la vida de Georges Méliès. Así que la película juega con
una serie de homenajes que retratan la vida incomprendida del gran cineasta, a
quien no se le ha agradecido lo suficiente por haber marcado las bases de algo
que vemos ahora cotidianamente: las películas. A lo largo de toda la obra se
muestran secuencias de la versión coloreada a mano de El viaje a la Luna de Méliès,
y es este misma secuencia la que desencadena muchos eventos: el que Hugo e
Isabelle se dieran cuenta de la identidad de George, y el que George se diera
cuenta de que no había perdido todo su trabajo en la primera guerra mundial, de
que no valía la pena enterrar el pasado. “Viaje a la Luna” es una película muda
de ciencia ficción de 1902, realizada por Méliès. Esta se basó en la novela de
Julio Verne (From the Earth to the Moon). La inteligencia y brillantez de
Escorsese como director al usar esta secuencia para hacer el homenaje rompe
esquemas, ya que es la perfecta conexión entre el pasado del cine y el futuro
de la humanidad.
Una inclusión mostrada consiste en diversas proyecciones de
las películas de los hermanos Lumiere, los padres del séptimo arte. Salen los
fragmentos de las personas saliendo de la fábrica, y la secuencia de un tren en
movimiento. Estos se retratan en la película como la inspiración de George para
contar historias en imágenes que se mueven, y no solo poner fragmentos en
movimiento que no te cuenten nada.
Hay otra intertextualidad en la forma de inclusión
cuando Hugo e Isabelle van al cine. La película que ven es la de un hombre que
pende del borde de una ventana para no caer de un edificio. Esta película es
Harold Lloyd’s Safety Last (1923). Más tarde en la película, cuando Hugo pende
de la aguja del reloj en la torre de la estación para no ser capturado por el
oficial, se está haciendo un homenaje a la misma película (esta vez no es una
inclusión), ya que la forma de ver hacia abajo y de colgarse del actor de Hugo,
es muy parecida a la que él mismo ve en el actor de Harold Lloyd’s Safety Last,
momentos antes en la película.
Figura 1: Homenaje a Harold Lloyd’s Safety Last en Hugo Cabret (Flamingan, 2011)
Otro homenaje es el sueño de Hugo acerca del tren
que se descarrila en la estación. Este descarrilamiento sí sucedió en la
estación de Montparnasse, durante 1895. El tren salió y atravesó el muro justo
como se representó en la película. Solo hubo una fatalidad, y la culpa se le
acarreó a una falla en los frenos por falta de mantenimiento y falta de
precaución de los maquinistas por querer disminuir el tiempo de viaje.
Figura 2: Homenaje a
accidente en Montparnasse, durante 1895 (Zamora, 2012)
La vida de Hugo, al principio de la película, como
huérfano al cuidado de su tío borracho hace alusión a libros y obras escritas
por o basadas en Charles Dickens, como Oliver Twist. Hay otras inclusiones de
películas de cine de arte mudo, a lo largo de Hugo; inclusive Charles Chaplin
aparece por algunos segundos.
Es verdad que la película tiene muchas
intertextualidades y recetas probadas, pero la astucia de Escorsese para
ponerlas juntas y elocuentes es la que le confiere tanto éxito a la película.
Asa Butterfield es quien da vida al personaje de
Hugo Cabret. Su actuación es muy buena, ya que aunque está interpretando un
drama no raya en una actuación de un niño deprimido e insoportable. Él
interpreta de forma realista su personaje, aun así proyectando esa inocencia,
ganas de conocer el mundo y reparar lo que está mal a su alrededor. La
actuación es muy equilibrada y creíble. Chloë Grace Moretz es Isabelle, la
ahijada de George. Aunque su actuación es bastante simple, su aparición es
clave para complementar la actuación de Asa. Chlöe termina siendo para la
audiencia una niña aventurera, culta y encantadora. Georges Méliès es
personificado por Ben Kingsley. La actuación de Ben es simplemente magnífica,
ya que no pudieron haber elegido a alguien mejor para ser tan complicado y
peculiar personaje. Se ve una evolución del personaje única. Desde el
principio, el actor reflejó en su forma de caminar cabizbaja, una decepción y
depresión profunda; pero fue en la segunda parte de la película cuando su rol
deja en segundo plano a todos los demás. Toda esa evolución y transición la
lleva a cabo de manera gradual y casi imperceptible para la audiencia, para que
al final, el público pueda compartir con él, el gran regocijo que él sintió al
poder recuperar su pasado e incorporarlo de forma fructífera para construir un
nuevo y mejor futuro. Sacha Baron Cohen es el Inspector Gustav. La actuación
también es muy buena, ya que él logra despegar a la audiencia del drama e
inmiscuirla en un poco de humor y risa. Su actuación no es para nada exagerada,
es simplemente muy elocuente. Otros personajes importantes son las de Helen
McCrory, (la esposa de Georges), Jude Law (el padre de Hugo), Christopher Lee
(el bibliotecario), Michael Stuhlbarg (René Tabard, el que tenía la película de
Georges), entre otros. Todas las actuaciones son buenas.
Los elementos de producción,
sobre todo la música, sonido, iluminación y efectos visuales, son las que
hicieron a la película de Hugo acreedora a 5 premios de la academia. Martín
Escorsese se aventuró a utilizar una conjunción de 3-D y actuaciones, que nunca
había empleado en otras de sus producciones anteriores. El resultado de sus
ideas y el buen manejo de la tecnología 3-D, hizo que los actores pudieran
reflejar de mejor forma su talento, pues se acrecentó la intensidad de las
emociones representadas. La luz y el color de la película desembocan en un
efecto que hace sentir al espectador que está viendo de manera paradójica, un
cuento de hadas en una vida real, llena de fallas como el mundo humano. El
color generalmente se mantiene oscuro: no negro completamente, porque no se
quiere reflejar maldad; pero sí gris para denotar tristeza, incertidumbre y
vaguedad, ya que la película gira en torno a secretos. Sin embargo, para no
hacerla pesada ni muy oscura, hay detalles como las flores de colores, los ojos
de Hugo, el uniforme del oficial, entre otros que dan un contraste adecuado,
para mantener que aunque es una película llena de misterio, también es una
película de fantasía.
Un aspecto visual que le da a la
película características únicas es el conjunto de pasadizos secretos en la
estación de trenes, así como el interior del reloj en la estación. Se ven
siempre los engranes trabajando, recordando constantemente a la audiencia que
el tiempo lo es todo; que nunca se para, y que es una secuencia de movimientos.
Además se recuerda que Hugo, desde muy pequeño, se ha visto rodeado de un
ambiente en el que tiene que reparar máquinas, hacerlas funcionar a la
perfección, con el mínimo material requerido. La película, en sí, es muy
compleja, y todos los engranes (sus sonidos y su visualización) resaltan esa
cualidad. Otro aspecto visual importante es el de la ciudad de París alrededor
de la estación, con la torre Eiffel a lo lejos, y con copos de nieve cayendo
uno a uno sobre la estación. Estas
escenas dan contexto de dónde sucede la historia a la audiencia, y es tan
efectiva la combinación de efectos visuales, que uno puede recordar imaginar
París sin mucho problema porque todo está muy detallado. Martín Escorcese y su
equipo tienen muy merecido el óscar por efectos visuales.
La musicalización en la película
también es muy adecuada con la atmósfera que quiere manifestar el director. Al
escucharla, la audiencia puede recordar instantáneamente otras películas
francesas, o cuya historia se desarrolla en Francia. El acordeón es un
instrumento clave para desencadenar estas memorias (es un cliché de las
películas que tienen lugar en Francia). En escenas de suspenso la música hace sentir a
la audiencia agonía con la finalidad de hacerles sentir lo que el personaje
está viviendo. Cuando hay algo de humor, los tonos cambian y hacen que la
audiencia sonría más fácilmente.
El vestuario, maquillaje y
peinados no son elementos que sobresalgan. Son simplemente adecuados para cada
personaje, y para la época. Una característica que sí sobresale es que también
son clichés de películas francesas, por ejemplo el bigote del oficial, los
trajes del bibliotecario y de Georges.
En cuanto al lenguaje
cinematográfico, el trabajo de Escorsese como director es único y brillante.
Los encuadres varían a lo largo de la película, ya que se tienen combinaciones
de long shots (cuando se muestra toda la ciudad de París alrededor de la
estación de trenes) para dar a la audiencia un sentido de dónde se desenvuelve
la acción; médium shots, cuando se muestran acciones específicas, cuando se
enmarca lo que sucede, por ejemplo cuando Hugo y su papá están reparando al
Automaton, cuando la esposa de Georges lo reconforta cuando acaba de ver sus
trabajos del pasado o cuando Hugo se quiere soltar del oficial cuando éste le
atrapa. También hay close ups, para mostrar las emociones de los personajes,
por ejemplo cuando Hugo llora porque su padre murió, o cuando Georges empieza a
revelar el secreto que Hugo e Isabelle tanto añoraban escuchar. También hay
Tight Shots, por ejemplo al ratón que Hugo se iba a robar de la tienda de
juguetes de Georges, justo en el momento en el que Georges despierta para
aprehender a Hugo que le estaba robando.
Figura 3: Longshot de París, afuera de la estación Montparnasse. (Flamingan, 2011)
En cuanto a las perspectivas,
también se presentan todas: frontal para denotar igualdad y empatía, desde
arriba para denotar vulnerabilidad y debilidad. En varias ocasiones a Hugo se
le filma hacia abajo, para verlo vulnerable e indefenso. Una escena peculiar
que ilustra esto es cuando pende del reloj hacia el vacío. Hay también en tomas
en contra picado, por ejemplo hacia Georges, para demostrar su grandeza y la
imposición que tiene él sobre Hugo.
Los movimientos de cámara son
impresionantes en Hugo, al principio de la película se hace uso de la técnica
de steady cam, donde el movimiento de la cámara es rápido, y sin ningún corte,
la audiencia puede apreciar el contenido y dimensiones de la estación de
trenes. Poco después hay un ejemplo perfecto de plano secuencia largo. Este es
cuando Hugo está recorriendo el interior del reloj y los pasadizos de la
estación. No hay ningún corte, y al inicio Hugo se ve de frente, luego se ve
por arriba porque él desciende por una escalera, después la perspectiva cambia
a verlo por atrás porque él se desliza por una resbaladilla, luego se ve por un
costado y al final se ve de abajo hacia arriba. Es una secuencia hermosamente
creada. Hay otro plano secuencia notorio; éste es al final de la película,
cuando se hace un acercamiento a la casa de Georges y su familia. El director
emplea esto para mostrar de forma secuencial, elocuente y gradual los
desenlaces para todos y cada uno de los personajes.
Aunque escorsese emplea
principalmente las técnicas de steady cam y planos secuancia, también hay
Paneo, Tilt up, Tilt down, Dolly In y Dolly Out, pero son menos remarcables.
Los Dollys son para seguir una acción, como cuando Hugo camina por la estación.
El Tilt up, Tilt Down se usan para seguir el curso de la mirada de los
personajes.
La edición requirió mucho
trabajo, porque se tenía que jugar con la técnica de 3-D. Es por esta misma
técnica, que el efecto Kuleshov se ve fuertemente evidenciado en la película,
pues en la mayoría de las tomas, los actores ni siquiera están tomando los
objetos que aparecen en la película, ni están en las locaciones que aparecen
ahí. La audiencia, mediante su experiencia y conocimientos es quien arma la
película en su cabeza.
Aunque sí hay cortes directos, no
se usan tanto como en otras películas. La mayoría del montaje se hizo a partir
de disolvencia (por la misma temática del tiempo), para dar una
transición/proceso que dura. Un ejemplo claro es la transición de los engranes
en la primera escena, a la ciudad de París. También existen Fades in/out, por
el color de la película; con la finalidad de mantener secretos y/o dar por
terminados procesos o ciclos.
Son muchos los mensajes sociales
de la película. El primero a resaltar es el homenaje al arte del cine que
representa; no solo a los grandes directores como Georges Méliès, sino también
para todas aquellas personas que disfrutan y aman el cine; ya que este arte,
como lo dijeron en la película es la máquina de invención de sueños. “If you ever wondered where your
dreams come from, look around; this is here they are made”. Otra
enseñanza es que los directores de cine son magos; ya que ellos crean sueños,
ilusiones y expectaciones en las personas. Su trabajo es mostrar un mundo mágico
completamente ajeno a lo que las personas viven cotidianamente.
Una enseñanza correlacionada a
esto es que el tiempo no es amable con lo viejo. Georges expresa que el tiempo
no ha sido amable con las películas viejas, y esto es cierto; porque ¿cómo es
posible que un director tan destacado y único, haya sido creído muerto por
todos? Él quedó olvidado, y es por esto mismo que él quiso olvidar su pasado,
porque era muy doloroso recordar que ahora a pesar de todo su trabajo, nadie le
recordaba. La irracionalidad de la raza humana también se ve evidenciada cuando
la guerra siempre pasa al primer plano de todo. Cuando hay guerra, no hay lugar
para el arte, para el perdón, para la educación, para nada; no hay tiempo para
la magia.
Una moraleja todavía más fuerte
es que cada persona, cada cosa es necesaria; pues tiene un propósito dentro de
este mundo. El mismo Hugo dice que las máquinas nunca tienen piezas extras,
siempre tienen la cantidad de piezas necesarias. Si el mundo fuera una máquina,
él no podría ser una pieza extra. Él está en el mundo por una razón. Esto lleva
a pensar a la audiencia que todos estamos aquí por una razón, que nuestra
existencia tiene un sentido; es solo cuestión de encontrarla. Además, la
película muestra que así como el mundo puede ser considerado como una gran
máquina, cada persona es una máquina también. Cada máquina y por ende, cada
persona tiene un propósito. Pero si la máquina y/o persona pierde propósito, es
como si estuviera roto. Esto quiere decir que si la vida de alguien pierde
sentido, se tiene que reparar. Georges había perdido propósito en su vida, pero
Hugo e Isabelle lo lograron componer.
La película resultó ser un
fracaso en taquilla. Unos echan la culpa al título y a los trailers. Sin
embargo, quizá el principal problema es que se vendió como película para niños
a la audiencia. Aunque los actores sí son niños, y la historia es de fantasía;
la película no es para niños; es para un público adolescente y adulto. La temática
de trasfondo trata temas que para los niños resultan cansados, tediosos y
muchas veces incomprensibles. Hugo es más una película de arte.
Hugo es una película que
eficientemente transmite muchos sentimientos y emociones a la audiencia. La
audiencia gracias a la música y actuaciones puede sentir esa tristeza al ver la
muerte del padre de Hugo, la desesperación de Hugo al pensar que su libreta
había sido incinerada. Pero también se viven emociones de emoción cuando se
transmiten esos fragmentos del cine que le hacen a Hugo sentir tanta felicidad
al recordar momentos felices vividos con su padre.
Por último, el mensaje más
importante y sensación que queda al final de la película es que los finales
felices no sólo existen en las películas. Hugo encontró un hogar, a pesar de
haber estado solo tanto tiempo; y Georges, pudo encontrar su invención más
preciada, desenterrar el pasado y darse cuenta de que la vida que le quedaba
por delante, valía la pena vivirse. Es este sentimiento de felicidad el que más
fuertemente se transmite a la audiencia al final de la película, dejándole un
muy buen sabor de boca y un pensamiento de agradecimiento a todos aquellos
directores olvidados de cine que fueron la base para la creación de historias
mágicas y únicas para que nosotros las disfrutemos e incorporemos a nuestra
vida.
Ficha técnica:
La
invención de Hugo Cabret (2011)
"Hugo" (original title)
126 min - Adventure |
Drama | Family - 27 January 2012 (Mexico)
Sinopsis: Hugo is an orphan boy living in the walls
of a train station in 1930s Paris. He learned to fix clocks and other gadgets
from his father and uncle which he puts to use keeping the train station clocks
running. The only thing that he has left that connects him to his dead father
is an automaton (mechanical man) that doesn't work without a special key. Hugo
needs to find the key to unlock the secret he believes it contains. On his
adventures, he meets George Melies, a shopkeeper, who works in the train
station, and his adventure-seeking god-daughter. Hugo finds that they have a
surprising connection to his father and the automaton, and he discovers it unlocks
some memories the old man has buried inside regarding his past.
Director: Martin Scorsese
Compañía productora: GK films. Paramount Pictures, Infinitum Nihil
Productores: Graham King, Timothy Headington, Martin
Scorsese, Johnny Depp
Escritores: John Logan (screenplay), Brian
Selznick (book)
Reparto
•
Asa
Butterfield - Hugo Cabret.
•
Chloë Grace Moretz - Isabelle, ahijada de
Georges.
•
Ben Kingsley - Georges Méliès, propietario de
la juguetería.
•
Sacha
Baron Cohen - Inspector Gustav
•
Jude Law - El padre de Hugo.
•
Christopher
Lee - Monsieur Labisse, el librero.
•
Helen
McCrory - Mama Jeanne, esposa de Georges.
•
Michael Stuhlbarg - René Tabard, historiador
cinematográfico.
•
Marco Aponte - Julien Carette, maquinista.
•
Emily
Mortimer - Lisette, la florista.
•
Ray
Winstone - Claude Cabret, tío de Hugo.
•
Frances de la Tour - Madame Emilie, dueña del
café.
•
Richard Griffiths - Monsieur Frick, el vendedor
de periódicos.
•
Emil Lager - Django Reinhardt, el guitarrista.
Música: Howard Shore
Fuentes
Flamingan, G. (29 de Diciembre de 2011). La
invención de Hugo. Recuperado el 27 de Junio de 2013, de Zonadictoz:
http://zonadictoz.com.ar/39367/la-invencion-de-hugo-2011-dvdfull/
Zamora, R. (2012). Hugo Cabret y sus elementos
históricos. Caraluña: Vandado.
